Le Birmingham Times met en lumière certains des meilleurs ensembles musicaux de différents genres à l’occasion du mois de la musique noire. La série a jusqu’à présent exploré le hip-hop, le gospel et la soul (16 juin). Le jazz est utilisé pour conclure aujourd’hui.
Les orchestres de Count Basie, Dizzy Gillespie et Duke Ellington, ainsi que tout ensemble mettant en vedette Miles Davis (sujet du film « Miles Ahead », sorti en avril 2016), figureront toujours sur toute liste des meilleurs ensembles, groupes et orchestres de jazz. Cette liste ne fait pas exception. Ces géants sont référencés, et Davis fait naturellement plusieurs apparitions.
Miles Davis Quintet (1965-1968)
L’un des groupes les plus influents de l’histoire du jazz est sans aucun doute le Miles Davis Quintet, qui comprenait Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter et Tony Williams. Pourtant, il a failli ne pas voir le jour. Davis a eu du mal à avoir une formation cohérente en 1963. À la fin du printemps, il embauche Carter à la basse, Hancock au piano, Williams à la batterie et George Coleman ou Sam Rivers au saxophone ténor. Le saxophoniste Wayne Shorter fournira l’élément manquant à la fin de 1964. Ce groupe était connu sous le nom de Second Quintet car l’original, créé en 1955, était peut-être encore meilleur (nous y reviendrons plus loin). Outre le coffret « Complete Live at the Plugged Nickel 1965 », que le « Penguin Guide to Jazz » cite comme l’œuvre phare du groupe, cet ensemble a également enregistré les albums « E.S.P. », « Miles Smiles », « Sorcerer », « Nefertiti », « Miles in the Sky » et « Filles de Kilimandjaro ».
Miles Davis Quintet (1955–1957)
Avec les membres John Coltrane, William « Red » Garland, Joseph « Philly Joe » Jones et Paul Chambers, cet ensemble – connu sous le nom de First Quintet – ne pouvait atteindre rien de moins que la grandeur du jazz. Si Davis pouvait monter un groupe régulier, Columbia Records lui proposerait un contrat à l’été 1955. Il réunit Jones à la batterie, Garland au piano, Chambers à la basse et Walter « Sonny » Rollins au saxophone ténor. Jones suggère à Davis de remplacer Rollins par Coltrane. Avec l’arrivée de Julian « Cannonball » Adderley au saxophone alto, le groupe devient un sextet. Vous auriez du mal à trouver une meilleure composition de joueurs de jazz. Pour éviter d’utiliser trop de métaphores, cette formation n’est surpassée que par le groupe des New York Yankees de 1927.
Art Ensemble of Chicago
Dans les années 1970 et 1980, l’Art Ensemble de Chicago était largement considéré comme le meilleur et le plus important groupe de jazz d’avant-garde. L’Art Ensemble a contribué à établir la synthèse du jazz avec la musique africaine indigène et la musique d’art européenne à la fin des années 1960 et au début des années 1970. La musique des services religieux sanctifiés, des spectacles de ménestrels et des maisons de débauche de l’Amérique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle a également été fusionnée avec un esprit d’expérimentation moderniste. Aucun membre du groupe original, qui comprenait les saxophonistes Roscoe Mitchell et Joseph Jarman, le trompettiste Lester Bowie, le bassiste Malachi Favors et, plus tard, le batteur Famoudou Don Moye, n’était plus important que les autres. L’ensemble comprenait un groupe diversifié de compositeurs et d’improvisateurs vraiment uniques. Ils se sont combinés pour former une entité puissante et distinctive.
The World Saxophone Quartet
Ce groupe de jazz a sorti plus de vingt CD, et son style combine des éléments de free funk et de jazz africain. Le groupe, qui a été formé en 1977, s’est principalement produit et enregistré en tant que quatuor de saxophones avec une composition de deux saxophones alto, un ténor et un baryton (reflétant la composition d’un quatuor à cordes classique), bien qu’occasionnellement d’autres musiciens, tels que des batteurs et des bassistes, les rejoignent. David Murray, Julius Hemphill, Oliver Lake et Hamiet Bluiett étaient les premiers membres du groupe. Ils jouaient de la flûte, des saxophones alto et soprano, et de la clarinette alto (saxophone ténor, clarinette basse). Les trois premiers avaient collaboré alors qu’ils faisaient tous partie du Black Artists’ Group basé à St. Louis, Missouri.
L’Orchestre de Duke Ellington
En associant des musiciens qui étaient considérés comme les meilleurs dans leur domaine, Edward Kennedy « Duke » Ellington a créé l’orchestre le plus connu de l’histoire du jazz. Certains musiciens sont restés dans l’ensemble pendant de nombreuses années. Expert dans l’écriture de miniatures, Ellington a souvent écrit de la musique destinée à mettre en valeur le style et les capacités de chaque musicien. Ellington a écrit plus de 1 000 œuvres, souvent en collaboration avec d’autres personnes. C’est à lui qu’appartient le plus grand héritage personnel enregistré en matière de jazz, et nombre de ses compositions sont devenues des classiques. Duke Ellington est entré dans l’histoire le 24 février 2009, lorsque la Monnaie des États-Unis a dévoilé une toute nouvelle pièce de monnaie sur laquelle il est la seule figure afro-américaine. Parmi les nombreux honneurs qu’il a reçus, citons le Grammy Lifetime Achievement Award et les plus hautes distinctions civiles des deux côtés de l’Atlantique – la Légion d’honneur française et la médaille présidentielle américaine de la liberté. Ellington est sans aucun doute l’un des meilleurs musiciens de toute la musique.
L’Orchestre de Count Basie
En 1935, William James « Count » Basie a fondé son propre ensemble de jazz, le Count Basie Orchestra, et l’a dirigé pendant près de 50 ans. Il innove en utilisant des saxophones ténors dédoublés, en accentuant la section rythmique, en jouant des riffs avec un big band, en faisant appel à des arrangeurs pour étendre le son, et bien d’autres choses encore. Lester Young et Herschel Evans, tous deux saxophonistes ténors, le guitariste Freddie Green, les trompettistes Wilbur « Buck » Clayton et Harry « Sweets » Edison, ainsi que les chanteurs Jimmy Rushing et Joe Williams, sont tous devenus populaires sous la supervision de Count Basie. Billie Holiday, Jimmy Rushing, Joseph « Big Joe » Turner et Helen Humes sont parmi les chanteurs de blues les plus connus de l’époque, et Basie, qui préfère le blues, commence à les promouvoir à New York. « One O’Clock Jump », écrite par Basie au début de son groupe, et « April in Paris » étaient ses chansons thème. « One O’Clock Jump » a été choisie par le National Recording Preservation Board, qui choisit les chansons qui sont « culturellement, historiquement ou artistiquement importantes », pour être ajoutée au registre national des enregistrements de la Library of Congress en 2005.
The Jazz Messengers
Depuis ses débuts au début des années 1950, ce groupe a été dirigé ou codirigé par le batteur fondateur Art Blakey. Au fil du temps, les termes « Art Blakey » et « Jazz Messengers » sont devenus interchangeables, malgré le fait qu’au cours de sa carrière, Blakey a supervisé des sessions avec d’autres groupes en plus des Jazz Messengers. Au cours de ses 35 ans d’existence, le combo Jazz Messengers a sorti 47 albums studio, 21 albums live, deux bandes originales, six compilations et un coffret. En plus d’avoir établi des sommités comme Lee Morgan, Benny Golson, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Chuck Mangione, Keith Jarrett, Woody Shaw, Wynton Marsalis, Branford Marsalis et Terence Blanchard, l’ensemble a également servi de banc d’essai pour les jeunes musiciens de jazz.
L’Orchestre de Cab Calloway
À la fin des années 1920, les trompettistes John Birks « Dizzy » Gillespie, Adolphus « Doc » Cheatham et Lester « Shad » Collins, les trombonistes Tyree Glenn et Quentin Jackson et les saxophonistes Leon « Chu » Berry et Jean-Baptiste Illinois Jacquet se sont fait connaître en dirigeant l’un des meilleurs orchestres de l’époque sous la direction de Cabell « Cab » Calloway. Pendant plus d’une décennie, l’orchestre de Calloway, qui avait pour unique résidence le Cotton Club de Harlem, à New York, a compté parmi les ensembles de jazz les plus importants du pays. Après la fermeture de la salle en 1940, Calloway et son orchestre sont partis en tournée. L’un des souvenirs de l’orchestre comprend un incident non-musical : Calloway a renvoyé Gillespie après une confrontation sur scène au cours de laquelle Gillespie a entaillé Calloway à la jambe avec un petit couteau.
Dizzy Gillespie
Cab Calloway a renvoyé John Birks « Dizzy » Gillespie, mais il s’en est bien remis. Gillespie et son attitude joviale ont joué un rôle crucial dans la popularisation du son bebop. Il portait un béret et des lunettes à monture de cor, jouait de son cor courbé caractéristique avec les joues gonflées, et incluait le chant scat. Dans les années 1940, Gillespie, un collègue trompettiste du nom de Charlie « Bird » Parker, est devenu une figure clé du développement du jazz moderne. Gillespie, qui est considéré comme l’un des meilleurs trompettistes de jazz de tous les temps, a servi de mentor et a eu un impact sur un large éventail d’interprètes, notamment le balladeur Johnny Hartman, les trompettistes Miles Davis, Jon Faddis, Theodore « Fats » Navarro, Clifford Brown, Arturo Sandoval, Lee Morgan et Chuck Mangione. Avant de monter son premier grand orchestre prospère, Gillespie a dirigé une succession de combos de jazz mineurs comprenant le vibraphoniste Milt Jackson, le saxophoniste John Coltrane, le bassiste Ray Brown et le batteur Kenny Clarke. Gillespie a reçu un Grammy Lifetime Achievement Award en 1989.
Clifford Brown et Max Roach Quintet
Certains pensent que ce groupe de cinq musiciens avait la capacité de se classer parmi les meilleurs de tous les temps. Le Clifford Brown and Max Roach Quintet a dominé le jazz contemporain pendant deux ans. Au printemps 1956, la trompette éblouissante et avant-gardiste de Clifford Brown rejoint Walter « Sonny » Rollins comme ténor attitré du groupe. Puis Brown et le pianiste Richie Powell ont été tués dans un accident de voiture, et tout était fini. Avant l’accident de voiture mortel de M. Brown en 1956, le New York Times avait qualifié le Clifford Brown and Max Roach Quintet de « probablement le combo bop ultime ». L’album de 1954 du groupe, « Clifford Brown and Max Roach », acclamé par la critique, contient un certain nombre de chansons remarquables, dont « Daahoud » et « Joy Spring », qui sont devenues depuis des standards du jazz. L’album a été inclus dans « Jazz : A Reviewer’s Guide to the 100 Most Important Recordings » à la 34e place et a été intronisé au Grammy Hall of Fame en 1999. Le critique de jazz Ben Ratliff du New York Times l’a considéré comme « l’un des enregistrements de studio les plus solides jusqu’à cette époque ».
