Même les meilleurs guitaristes de jazz reçoivent rarement l’attention et les éloges que reçoivent les souffleurs de cor du genre – saxophonistes et trompettistes, en particulier. Cela s’explique peut-être par le fait que, traditionnellement, la guitare, qui a supplanté le banjo dans les sections rythmiques du jazz, était principalement perçue comme un instrument de soutien et d’accompagnement plutôt que comme un véhicule viable pour l’improvisation solo.
Une autre raison pour laquelle les guitaristes de jazz n’ont pas été mis en avant au cours des années de formation de la musique est que leur instrument était acoustique et n’avait pas la capacité de couper le reste de l’ensemble comme les cuivres et les bois le pouvaient. Ainsi, pendant que les cuivres étaient sous les feux de la rampe, les guitaristes devaient se contenter de gratter des accords et de jouer de l’accompagnement en arrière-plan.
Mais l’amplification électrique a tout changé pour le rôle de la guitare dans le jazz. Introduite en 1931, la guitare électrique à corps creux a été immédiatement recherchée par les guitaristes qui s’efforçaient de se faire entendre dans l’ère du swing des big bands à forte teneur en cuivre. Désormais, non seulement leur travail rythmique percussif pouvait être clairement audible par rapport au reste de l’ensemble, mais la possibilité de jouer des passages en solo était également devenue une réalité tangible. Malgré tout, en raison de la nature propulsive du swing des big bands et de l’importance accordée à l’interaction des cuivres, les meilleurs guitaristes de jazz de l’époque – comme Freddie Green du Count Basie Band, l’un des meilleurs guitaristes de l’ère du swing – se voyaient rarement accorder des passages en solo, ou même souhaitaient en avoir.
Mais il y avait des exceptions. C’est le cas de Django Reinhardt, le guitariste manouche belge révolutionnaire qui s’est fait connaître en jouant dans de petits ensembles et a redéfini le rôle de la guitare dans le jazz. Son travail phénoménal sur la touche a été une source d’inspiration pour les guitaristes du monde entier et a donné naissance à une nouvelle génération de stars de la guitare de jazz : des solistes virtuoses ainsi que de solides hommes de section rythmique.
Charlie Christian a été le prochain guitariste important du jazz. Au sein de l’orchestre de Benny Goodman, il a époustouflé les gens par sa capacité à jouer en solo des lignes mélodiques simples et fluides comme un corniste. La conception harmonique avancée de Christian a anticipé le développement du bebop, qui, bien qu’il s’agisse d’une révolution sonore menée par les cuivres (ses principaux architectes étaient le saxophoniste Charlie Parker et le trompettiste Dizzy Gillespie), a néanmoins permis à certains des meilleurs guitaristes de jazz des années 40 et 50 de conserver une partie des projecteurs.
Leurs semblables ont proliféré dans les années 50, mais le guitariste qui s’est démarqué de la tête et des épaules de tous les autres était un génie modeste d’Indianapolis appelé Wes Montgomery, qui a connu la gloire à l’aube des années 50 et 60. Montgomery, comme son idole Charlie Christian, pouvait jouer des lignes de notes simples comme un joueur de cor, mais incorporait également des accords et des octaves dans ses solos. Ses capacités époustouflantes le faisaient passer pour un surhomme et il a rapidement été salué comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz à avoir foulé la planète.
L’influence de Montgomery a été profonde et étendue, mais les années 60 ont vu l’arrivée d’une nouvelle race de guitaristes de jazz (pensez à Larry Coryell et John McLaughlin) qui combinaient le langage harmonique complexe du jazz avec la dynamique des décibels de la musique rock.
Depuis lors, les guitaristes de jazz (Pat Metheny, par exemple) ont généralement été plus éclectiques, absorbant un éventail d’influences, de sons et d’éléments stylistiques provenant de toutes sortes de sources musicales différentes. Mais ce qui les unit tous, c’est leur dette envers les premiers pionniers, qui ont fait sortir la guitare jazz de l’ombre pour la mettre en lumière.
Pendant que vous lisez, écoutez notre playlist des meilleurs guitaristes de jazz ici.
Voici notre top 50 des meilleurs guitaristes de jazz de tous les temps…
50: John Pizzarelli (born 1960)
Le fait d’avoir un père guitariste de renom (le spécialiste du swing Bucky Pizzarelli) a sans aucun doute accéléré le développement musical de ce frettiste du New Jersey ; il s’est retrouvé à jouer avec des gens comme Benny Goodman et Clark Terry alors qu’il était encore adolescent. Le travail délicat de Pizzarelli à la guitare a agrémenté les enregistrements de musiciens aussi divers que Stephane Grappelli, Rosemary Clooney et Paul McCartney, ce qui lui a valu d’être considéré comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz de sa génération.
49 : Norman Brown (né en 1970)
Jimi Hendrix et les Isley Brothers ont été les premières influences de ce guitariste originaire de Kansas City, lauréat d’un Grammy, mais il a changé de direction après avoir entendu Wes Montgomery. Dans les années 90, Brown a entamé sa carrière solo en proposant un amalgame savoureux de lignes mélodiques dignes de George Benson sur des grooves de smooth jazz musclés et sensuels.
48 : Mary Osborne (1921-1992)
Les femmes guitaristes sont rares dans le jazz, mais cette joueuse de cordes du Dakota du Nord, dont les racines musicales mêlaient ragtime et musique country, pouvait certainement tenir tête aux guitaristes masculins. Osborne a pris New York d’assaut dans les années 40 mais n’a enregistré que quelques disques sous son propre nom.
47 : Russell Malone (né en 1963)
Bien qu’il soit très demandé en tant que sideman (il a notamment joué avec Jimmy Smith, Diana Krall, Roy Hargrove, Harry Connick Jr et Sonny Rollins), ce guitariste de Géorgie a une série d’excellents albums solo à son actif. Malone adopte une approche plus traditionnelle, directe et bop de la guitare jazz, privilégiant un son riche et moelleux et combinant des mélodies à la Grant Green avec des séquences d’accords subtiles.
46 : Emily Remler (1957-1990)
Une tragique crise cardiaque a privé le monde du talent de cette guitariste née à Manhattan, qui avait commencé à jouer à l’âge de 10 ans. Bien que redevable à ses inspirateurs, Wes Montgomery et Joe Pass, Remler a gagné sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire grâce au développement de son propre style, qui combinait une grâce langoureuse et une intelligence émotionnelle avec un travail virtuose sur le manche.
45 : Charlie Hunter (né en 1967)
Ne se contentant pas de la normale guitare à six cordes, Hunter, originaire du Rhode Island, préfère jouer sur des instruments à sept et huit cordes fabriqués sur mesure, sur lesquels il peut jouer des lignes de basse et créer des motifs contrapuntiques. Membre du groupe The Disposable Heroes Of Hiphoprisy de Michael Franti au début des années 90, il a entamé une carrière solo peu après, passant cinq ans au Blue Note. Mariant son ADN jazz à des éléments funk, R&B, rock et pop, Hunter est l’auteur d’un son et d’un style inclassables qui font de lui une voix unique parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde.
44 : Kurt Rosenwinkel (né en 1970)
Ce fils de Philadelphie n’est pas opposé à l’utilisation de toute une série de pédales d’effets et de synthétiseurs pour guitare – un anathème pour la plupart des guitaristes de jazz traditionnels – mais il aime aussi prendre des risques créatifs et expérimenter dans divers contextes musicaux. Il a notamment collaboré avec la troupe de hip-hop A Tribe Called Quest et son leader, Q-Tip. Un joueur imprévisible qui surprend toujours.
43 : Julian Lage (né en 1987)
À l’avant-garde de la nouvelle génération de stars de la guitare jazz, Julian Lage est originaire de Santa Rosa, en Californie. Enfant prodige, il a travaillé avec le maestro du vibraphone Gary Burton pendant son adolescence. Bien qu’il n’ait que quatre albums solo à son actif, la réputation de Lage est en plein essor, grâce à son talent, son imagination et la création d’un son qui lui est propre. Bien que jeune, il a l’étoffe d’un talent qui pourrait se hisser plus haut dans les rangs des meilleurs guitaristes de jazz du monde dans les années à venir.
42 : Earl Klugh (né en 1953)
Disciple de la guitare espagnole à cordes de nylon, Klugh, né à Detroit, a eu l’idée de se mettre à l’instrument après avoir vu la star de la country Chet Atkins à la télévision. Précocement doué, il a eu pour mentor le grand jazzman Yusef Lateef, puis a joué avec George Benson avant de s’établir comme artiste solo à la fin des années 70. Musicien sensible et de bon goût, dont les filigranes limpides de la touche sont rendus avec grâce, le son saisissant de Klugh est un mélange de simplicité et d’élégance.
41 : James « Blood » Ulmer (né en 1940)
Après avoir débuté comme un musicien de rhythm’n’blues orthodoxe, Ulmer a radicalement transformé son style au début des années 70 en tombant sous le charme d’Ornette Coleman et de son concept harmolodique révolutionnaire (un système unique d’improvisation collective). En conséquence, Ulmer a créé un idiome discursif défini par des accords grattés et des éclats mélodiques déchiquetés. Plus récemment, Ulmer a exploré ses racines blues, mais son approche sui generis de la guitare jazz reste inégalée parmi les meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire.
40 : Eric Gale (1938-1994)
Un as de la session prolifique à l’oreille parfaite dont le domaine musical principal était le R&B et le funk, Gale – comme l’attestent certains de ses albums solos – pouvait également jouer de la guitare jazz influencée par le bop avec dextérité. À la base de son son, il y avait un noyau de blues profond, qui se manifestait par un ton plaintif et plaintif à la BB King.
39 : Eddie Lang (1902-1933)
Architecte crucial de l’évolution de la guitare swing des big bands (il a joué dans les grands ensembles de Paul Whiteman et de Bing Crosby au début des années 30), Eddie Lang (né Salvatore Massarro) mérite sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde grâce au rôle central qu’il a joué pour faire accepter la guitare comme un instrument de jazz viable (en remplacement du banjo traditionnel). Grande influence sur Django Reinhardt, Eddie Lang est considéré à juste titre comme le « père de la guitare jazz ».
38 : Larry Carlton (né en 1948)
Comme ses contemporains Steve Khan et Lee Ritenour, Larry Carlton était un guitariste de session de premier plan dans les années 70 et son son blues-rock distinctif, inspiré du jazz, a défini des albums phares tels que The Royal Scam de Steely Dan et Hejira de Joni Mitchell. Le travail de Carlton est davantage axé sur la fusion, ses premiers albums étant un précurseur de ce que l’on appelle aujourd’hui le smooth jazz.
37 : Laurindo Almeida (1917-1995)
Originaire de São Paulo, l’autodidacte Almeida s’est fait un passeport pour les États-Unis en écrivant la chanson lucrative « Johnny Peddler », qui a été un succès pour le groupe vocal The Andrews Sisters. Il a ensuite rejoint le groupe de Stan Kenton et, en plus d’être un artiste prolifique, a trouvé beaucoup de travail en tant que musicien de session sur la côte ouest. À l’aise avec les guitares acoustiques et électriques, Almeida était un pionnier qui mélangeait le jazz avec les sons et les styles du Brésil.
36 : George Van Eps (1913-1998)
Avec son timbre doux et bien équilibré, ce guitariste originaire du New Jersey a d’abord été attiré par le banjo lorsqu’il était jeune, mais après avoir entendu Eddie Lang jouer avec des big bands, il est passé à la guitare. Il fait ses débuts à la radio à l’âge de 13 ans puis, dans les années 30, alors que sa notoriété prend de l’ampleur, il joue dans plusieurs big bands, dont celui de Bennie Goodman. Van Eps a conçu sa propre guitare à sept cordes, ce qui lui a permis d’ajouter des notes de basse plus graves et de développer son propre style de doigté.
35 : Sonny Sharrock (1940-1994)
Peu de guitaristes de jazz parmi les meilleurs au monde peuvent se targuer d’avoir commencé à chanter du doo-wop dans les années 50. C’est ainsi que le New-Yorkais Warren « Sonny » Sharrock a commencé sa carrière, même si, dans les années 60, il est devenu l’une des figures de proue de la guitare jazz d’avant-garde. Le saxophone était son instrument de prédilection (il était tombé amoureux du son de John Coltrane) mais son asthme l’empêchait de jouer d’un instrument à vent. Il s’est donc tourné vers la guitare, et son style caractéristique – fort et funky – utilisait des lignes de tête semblables à celles d’un cor ainsi que des retours d’ampli de style rock.
34 : Howard Roberts (1929-1992)
Originaire de Phoenix, en Arizona, Howard Roberts a pris sa première guitare à l’âge de huit ans et a commencé à travailler professionnellement à 15 ans. Il déménagea à Los Angeles et fut rapidement demandé comme as de la session, travaillant finalement avec le groupe d’élite de sessionneurs connu sous le nom de The Wrecking Crew. Adepte de la « cool school » de la côte ouest, le style de Roberts associe une retenue émotionnelle détachée à une virtuosité technique à fleur de peau. En plus d’enregistrer de nombreux albums solo pour une pléthore de labels, il a également travaillé comme producteur de disques. En dehors du jazz, Roberts a participé à des chansons des Monkees et des Electric Prunes.
33 : Kevin Eubanks (né en 1957)
Neveu du pianiste de jazz Ray Bryant, Kevin Eubanks, né à Philadelphie, est arrivé à la guitare après s’être essayé au violon et à la trompette. Il a eu sa chance lorsqu’il s’est installé à New York en 1980 et a joué avec Art Blakey. En 1983, Eubanks sort son premier album et enregistre régulièrement depuis. Guitariste dextre, à l’aise avec les instruments électriques et acoustiques, Eubanks combine des lignes mélodiques fluides avec des effets percussifs nets et un contenu harmonique somptueux.
32 : Bill Connors (né en 1949)
Bien que son mandat au sein de Return To Forever ait été court et éclipsé par l’arrivée de son flamboyant remplaçant, Al Di Meola, en 1974, Connors a joué sur l’album phare du groupe, Hymn Of The Seventh Galaxy, et prend sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde grâce à son importance dans l’évolution de la guitare jazz-rock. Le guitariste de Los Angeles a créé une signature, un style facilement identifiable fusionnant les chromatismes du jazz et les changements d’accords avancés avec des éléments de blues et de rock.
31 : Steve Khan (né en 1947)
Fils du célèbre auteur-compositeur Sammy Cahn, Steve Khan a excellé en tant que sideman de studio polyvalent (ses crédits vont de Steely Dan et Bob James à Billy Joel et Aretha Franklin) tout en poursuivant une carrière solo qui lui a valu deux nominations aux Grammy Awards. Dans les années 70, Khan a réussi à fusionner le jazz et le rock, puis a ajouté des saveurs latines piquantes pour élargir sa palette stylistique. Il enregistre toujours régulièrement et est l’un des plus grands guitaristes de jazz actuels.
30 : Lee Ritenour (né en 1952)
Surnommé Captain Fingers, Lee Ritenour, né à Los Angeles, a enregistré avec les Mamas & The Papas alors qu’il n’était encore qu’un adolescent, avant de devenir un as de la session très demandé, comptant parmi ses clients Frank Sinatra, Barry White et Aretha Franklin. La carrière solo de Ritenour a décollé en 1976 lorsqu’il a suivi une voie de fusion plus funky, plus légère et moins grandiose que des groupes comme Return To Forever. Il est également un ancien membre de l’influent groupe de smooth jazz Fourplay.
29 : Pat Martino (né en 1944)
Ce maître de la hache de Philadelphie (né Pat Azzara) est un métamorphe musical qui peut passer du jazz pur et dur à la fusion et au post-bop en un tour de main. Il a fait son apprentissage avec les jazzmen soul Willis Jackson, Brother Jack McDuff et Richard « Groove » Holmes avant d’entamer sa carrière solo dans la seconde moitié des années 60. Soucieux de partager son savoir, Martino a également écrit des manuels sur les approches de la guitare.
28 : Ralph Towner (né en 1940)
Bien qu’il soit aujourd’hui confortablement installé parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde, la guitare n’était pas le premier instrument de choix de Ralph Towner. Il a commencé par la trompette, puis est passé au piano, avant d’arriver finalement à la guitare classique, qu’il a étudiée en Autriche pendant deux ans. Après avoir fait ses armes au sein du Paul Winter Consort, Towner a cofondé en 1970 Oregon, un groupe entièrement acoustique qui mêlait jazz de chambre et sonorités orientales et qui a été un précurseur de la musique New Age. Bien que le groupe soit toujours en activité aujourd’hui, Towner a également connu une carrière solo fertile, et son jeu de guitare saisissant – limpide et cristallin – reste une chose de toute beauté.
27 : John Abercrombie (1944-2017)
Artiste prolifique qui enregistre depuis les années 70 pour le label ECM de Manfred Eicher à Munich, ce New-Yorkais d’origine a cité Chuck Berry et Barney Kessel parmi ses influences. Membre du groupe pionnier de jazz-rock Dreams, Abercrombie a joué dans les années 70 avec des musiciens comme Gil Evans et dans le supergroupe Gateway, tout en développant un son chaud, aux couleurs pastel, imprégné d’un lyrisme mélodique.
26 : Bill Frisell (né en 1951)
Élève des grands guitaristes de jazz Johnny Smith et Jim Hall, Frisell, né dans le Maryland, a trouvé sa propre niche stylistique en mélangeant le jazz avec des éléments de la musique country, folk et rock. Sa capacité à créer une ambiance ou une atmosphère particulière à l’aide d’effets fait également partie de son style. Un guitariste éclectique et polyvalent qui a contribué à repousser les limites de l’instrument.
25 : Freddie Green (1911-1987)
Originaire de Caroline du Sud, Freddie Green a longtemps été un pilier du groupe de Count Basie et a passé près d’un demi-siècle avec l’aristocrate du jazz. Il a commencé par le banjo avant de passer à la guitare à six cordes et a connu la gloire à l’époque du big band swing. Prenant rarement des solos, Greene préférait aider à diriger la section rythmique en fournissant un accompagnement d’accords fluides et percutants. Il a écrit le livre sur la guitare payante des big bands.
24 : Herb Ellis (1921-2010)
Il y a un léger mais perceptible accent country dans le style bebop de ce célèbre guitariste texan, qui est apparu sur le radar de la plupart des aficionados du jazz grâce à sa présence indispensable dans le trio d’Oscar Peterson dans les années 50. Avec ses collègues Joe Pass, Charlie Byrd et Barney Kessell, Ellis a cofondé un super groupe de guitare jazz appelé The Great Guitars.
23 : Al Di Meola (né en 1954)
Véritable roi de la vitesse sur le manche, Al Di Meola, originaire du New Jersey, a fusionné la passion et l’intensité du flamenco avec le crunch viscéral du latin rock à la Santana. Il est sorti de l’ombre à l’âge de 19 ans lorsqu’il a remplacé Bill Connors dans le groupe Return To Forever de Chick Corea, avant de se forger une brillante carrière solo.
22 : Lenny Breau (1941-1984)
Originaire d’Auburn, dans le Maine, et né dans une famille de musiciens country, Lenny Breau a fait partie du groupe familial pendant plusieurs années lorsqu’il était adolescent, mais il l’a quitté après avoir provoqué la colère de son père en jouant un solo aux accents jazz. Par la suite, le brillant technicien qu’était Breau s’est orienté vers le jazz et a également assimilé la musique flamenco, ce qui a donné lieu à un style personnel distinctif qui n’a jamais oublié ses racines country.
21 : Mike Stern (né en 1953)
Né Mike Sedgwick à Boston, Stern a joué dans le groupe de fusion du batteur Billy Cobham dans les années 70 avant de rejoindre un Miles Davis renaissant sur la voie du retour en 1981. Après avoir quitté Miles en 1983, Stern a entamé une carrière solo qui l’a vu s’épanouir en tant que guitariste polyvalent capable de marier la puissance viscérale du blues et du rock avec le vocabulaire avancé du jazz.
20 : John Scofield (né en 1951)
Comme son contemporain Mike Stern, Scofield, né dans l’Ohio, a joué de la fusion avec Billy Cobham, puis a rejoint un Miles Davis rajeuni pendant deux ans (il était le remplaçant de Stern). Grâce à son ton acerbe et à ses tirages de cordes infusés de blues, Scofield a développé un style immédiatement reconnaissable et a enregistré dans une variété de styles époustouflante (embrassant le jam band funk, le jazz orchestral et même la musique country).
19 : Charlie Byrd (1925-1999)
Adepte du jazz et de la guitare classique acoustique à cordes de nylon, Charlie Byrd, né en Virginie, a étudié avec le maître espagnol André Segovia et a commencé à se faire connaître en tant qu’artiste de studio à la fin des années 50. Sa plus grande percée dans le grand public est l’album novateur Jazz Samba, enregistré en tandem avec le saxophoniste Stan Getz en 1962, qui fusionne l’improvisation jazz avec les sinueux rythmes brésiliens et le place instantanément sur la carte comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz au monde. La sonorité de Byrd, avec ses filigranes gossamiques piqués au doigt, est unique dans le jazz.
18 : Allan Holdsworth (1946-2017)
Une sorte de polymathe musical, ce super guitariste de jazz britannique a fait progresser le vocabulaire de son instrument en utilisant des gammes inhabituelles et en absorbant des éléments du rock progressif (y compris les pédales d’effets). Bien qu’il ait souvent recours au finger-picking orné, il aimait articuler les mélodies dans un style lisse et legato, reflétant son intérêt pour le son du saxophone.
17 : Larry Coryell (né en 1943-2017)
Parfois surnommé le parrain de la fusion, Larry Coryell, né à Galveston (de son vrai nom Laurence Van DeLinder III), était le remplaçant de Gabor Szabo dans le groupe de Chico Hamilton et a commencé à se faire connaître à la fin des années 60 en tant que partisan d’un nouvel hybride musical appelé jazz-rock. Il a dirigé son propre groupe de fusion, Eleventh House, dans les années 70 et s’est ensuite associé à John McLaughlin et Paco de Lucía pour former The Guitar Trio. Un dieu de la guitare extrêmement influent qui a comblé le fossé entre le jazz et le rock, Coryell restera à jamais dans les mémoires comme l’un des meilleurs guitaristes de jazz à avoir jamais pris l’instrument en main.
16 : Jimmy Raney (1927-1995)
Remplaçant de Tal Farlow au sein du Red Norvo Trio, Jimmy Raney, originaire du Kentucky, s’est lancé dans la direction d’un groupe au milieu des années 50, triomphant à deux reprises dans le sondage du magazine DownBeat sur le meilleur guitariste à cette époque. Son style éloquent, avec ses lignes mélodiques lucides et ses harmonies fraîches, lui a valu de nombreux fans. Il a notamment enregistré avec Stan Getz, Oliver Nelson, Lalo Schifrin et Eddie Harris.
15 : John McLaughlin (né en 1942)
Miles Davis a été tellement séduit par le jeu de guitare de John McLaughlin qu’il a donné son nom à une chanson (sur Bitches Brew). Avant cela, le dieu de la guitare né dans le Yorkshire s’est fait un nom en tant que musicien de session de premier choix à Londres dans les années 60, où il est apparu sur une myriade de disques pop et R&B. Il a joué avec Lifetime de Tony Williams avant de cofonder, dans les années 70, l’influent supergroupe de jazz fusion Mahavishnu Orchestra. Alliant la brillance technique à la profondeur émotionnelle et à une véritable appréciation de la musique indienne, McLaughlin reste l’un des meilleurs guitaristes de jazz au monde, et a ouvert la voie au jazz-rock pendant cinq décennies.
14 : Gabor Szabo (1936-1982)
Avec son mélange de musique folklorique tzigane hongroise, de vamps modaux étendus, de ragas indiens et de coloration psychédélique, ce guitariste polyvalent né à Budapest a exercé une énorme influence sur le dieu mexicain de la guitare Carlos Santana. Son ascension vers la gloire a été accélérée par sa présence dans le groupe de jazz avant-gardiste de Chico Hamilton au début des années 60, avant qu’il ne se lance dans une carrière solo couronnée de succès.
13 : Johnny Smith (1922-2013)
Originaire de Birmingham, en Alabama, Smith était un musicien au talent précoce qui a appris à jouer de la guitare alors qu’il était pré-adolescent et qu’il traînait dans les monts-de-piété locaux. Sa polyvalence (il a fait des tournées avec un groupe de hillbilly avant de se tourner vers le jazz et pouvait jouer du swing, du bebop et de la musique classique d’avant-garde) a fait qu’il était très demandé. Smith était également un compositeur réputé : sa chanson classique de 1954 « Walk, Don’t Run » est devenue un standard instrumental et a été un succès pour Chet Atkins et plus tard, en 1964, pour The Ventures.
12 : Stanley Jordan (né en 1959)
En 1985, ce sorcier de la touche né à Chicago, qui n’avait alors que 26 ans, a fait sensation avec son premier disque chez Blue Note, Magic Touch, qui présentait la technique remarquablement peu orthodoxe de Jordan consistant à jouer de la guitare en tapant sur la touche du bout des doigts pour produire des sons. La dextérité numérique de Jordan était telle que, comme un pianiste, il pouvait articuler des mélodies et des accords en même temps avec les deux mains. Un talent phénoménal qui mérite amplement sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde.
11 : Tal Farlow (1921-1998)
Talmadge Farlow, originaire de Caroline du Nord, était un guitariste autodidacte qui, à ses débuts, travaillait comme peintre d’enseignes le jour et comme musicien la nuit. C’est après avoir entendu Charlie Christian avec le groupe de Benny Goodman qu’il a eu l’idée de fabriquer lui-même sa première guitare électrique. Sa carrière solo prend de l’ampleur au milieu des années 50 et il acquiert rapidement le surnom de « Octopus », qui fait référence à la combinaison de ses grandes mains et de ses prouesses techniques époustouflantes.
10 : Pat Metheny (né en 1954)
Ce sorcier caméléon du Missouri – qui a enregistré des albums de David Bowie, Joni Mitchell et Ornette Coleman – cite l’influence de Wes Montgomery et Jim Hall comme des éléments clés de la fondation de son style unique. Lyrique, riche en harmonies et pourtant résolue à abolir les frontières musicales, la musique changeante de Metheny est difficile à classer, mais cela ne l’a pas empêché de remporter 20 Grammy Awards. Non seulement Metheny est l’un des meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire, mais il est aussi, sans aucun doute, le guitariste le plus progressiste du jazz actuel.
9 : Joe Pass (1929-1994)
Originaire du New Jersey et d’origine sicilienne, Pass (né Joe Passalaqua) a commencé à jouer de la guitare à l’âge de neuf ans et a progressé si rapidement qu’il donnait des concerts à l’âge de 14 ans. Guitariste extrêmement polyvalent, il a breveté un style singulier et novateur qui lui permettait d’articuler des lignes mélodiques à l’aide de séquences habiles de progressions d’accords. Pass a passé de nombreuses années à accompagner la chanteuse Ella Fitzgerald et a également beaucoup joué avec le pianiste Oscar Peterson.
8 : Kenny Burrell (né en 1931)
Sideman incontournable et artiste indépendant, Kenny Burrell, né à Detroit, s’est inspiré du blues, de Charlie Christian et de Django Reinhardt. Il a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 12 ans et a fait ses débuts sur disque huit ans plus tard avec le trompettiste Dizzy Gillespie. Burrell est devenu une figure clé du mouvement hard bop et peut aussi bien jouer de manière soul que de swinguer. Ses nombreuses prestations vont de Sonny Rollins et Donald Byrd à Billie Holiday et Tony Bennett.
7 : Barney Kessell (1923-2004)
Membre de la mafia des sessions de Los Angeles des années 60, surnommée The Wrecking Crew, ce maître de la guitare était originaire de Tuskegee, dans l’Oklahoma, et s’est fait connaître dans les années 50, à la fois comme leader et comme sideman (il a notamment accompagné la chanteuse Julie London sur son LP de 1955, Julie Is Her Name, sur lequel figurait « Cry Me A River »). Comme il se doit pour l’un des meilleurs guitaristes de jazz de l’histoire, Kessell a joué avec les plus grands du monde du jazz (de Billie Holiday à Sonny Rollins) et était réputé pour son son moelleux et son choix judicieux d’accords.
6 : Grant Green (1935-1979)
Artiste prolifique chez Blue Note dans les années 60 et au début des années 70, le natif de Saint-Louis Green, influencé par les cornistes du bebop, a adopté une approche linéaire de la guitare, privilégiant les lignes mélodiques simples à l’accompagnement par accords. Son esthétique minimaliste, moins c’est plus, avec son phrasé teinté de blues, était souvent mise en valeur dans le cadre d’un trio d’orgue. Un bon point de départ ? Idle Moments.
5 : George Benson (né en 1943)
Influencé par Charlie Christian et encadré par Wes Montgomery (il est souvent considéré comme l’héritier présomptif de ce dernier – il n’y a pas de plus beau compliment pour l’un des meilleurs guitaristes de jazz au monde), ce guitariste né à Pittsburgh était un enfant prodige qui est devenu une superstar du jazz et de la soul dans les années 70 lorsqu’il s’est réinventé en tant que chanteur. Frettiste dextre issu de l’école soul-jazz, la carte de visite de Benson est de faire un scat vocal tout en doublant la mélodie à la guitare. Probablement le plus grand guitariste de jazz vivant à l’heure actuelle.
4 : Jim Hall (1930-2013)
Né à Buffalo, dans l’État de New York, Hall, qui a grandi dans l’Ohio, a commencé à jouer de la guitare à l’âge de 10 ans et a eu une révélation qui a changé sa vie lorsqu’il a entendu pour la première fois Charlie Christian, qui a eu une profonde influence sur son propre style. Reconnu pour sa sonorité chaleureuse et moelleuse, Hall est un maître de l’utilisation de l’espace et de la création de contrastes tonaux. Il mérite sa place parmi les meilleurs guitaristes de jazz du monde grâce à un choix éclectique de collaborateurs et à un large éventail de contextes musicaux qui ont contribué à élargir le lexique de la guitare de jazz.
3 : Charlie Christian (1916-1942)
Véritable révolutionnaire de la guitare de jazz, Christian, né au Texas, a connu la gloire dans le groupe de Benny Goodman dans les années 1939-41. Il a été le pionnier de la guitare électrique dans le jazz, ce qui, combiné à son penchant pour l’utilisation de lignes à une seule note (comme un corniste), a fait sortir l’instrument de la section rythmique et l’a mis au premier plan, en en faisant un instrument solo valable. Un des premiers partisans de ce qui est devenu le bebop, Christian n’avait que 25 ans lorsqu’il est mort, emporté par la tuberculose.
2 : Django Reinhardt (1910-1953)
Père fondateur du jazz « hot » européen influencé par le swing dans les années 30, ce Roumain d’origine belge possédait une prodigieuse capacité technique bien qu’il ne jouait qu’avec son pouce et ses deux majeurs (après qu’un incendie ait paralysé les deux autres doigts de sa main gauche). Il était capable de combiner la vitesse, la précision et une éblouissante dextérité manuelle avec l’imagination et un sentiment profond. Un véritable géant du jazz dont le jeu ne cesse d’étonner.
1 : Wes Montgomery (1923-1968)
En tête de notre liste des meilleurs guitaristes de jazz de tous les temps se trouve un génie du manche d’Indianapolis, vénéré et profondément influent, qui ne savait pas lire une note de musique. Montgomery s’est inspiré du phrasé bebop de son idole, Charlie Christian, mais a proposé un style harmonique plus avancé qui incorporait des accords de blocs et l’utilisation d’octaves parallèles. Il est mort trop jeune, mais sa musique et son influence perdurent. Commencez par Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery et poursuivez votre exploration.
